Gennaio 24, 2022

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“Slip Zone” di DMA amplia la nostra visione di ciò che è importante nell’arte astratta del dopoguerra

Una mostra rinfrescante e colta che mette l’arte astratta in primo piano e al centro è in mostra al Dallas Museum of Art.

“Slip Zone: un nuovo sguardo sulla smilitarizzazione del dopoguerra nelle Americhe e nell’Asia orientale” La volta cilindrica e le quattro gallerie quadrangolari adiacenti sono piene di esempi eccellenti, a volte eccellenti, di arte transnazionale d’avanguardia.

Un progetto ambizioso, questa mostra esamina come lo stile si sia manifestato non solo nella New York School of Abstract Art, ma anche come fenomeno internazionale, sostiene la galleria, nell’impollinazione incrociata di idee e stili attraverso il Sud America e l’Oriente Asia.

Solo di recente studiosi e storici dell’arte hanno iniziato a concentrarsi su movimenti e artisti che un tempo erano tratti dalla narrativa mainstream, compresi gli artisti del colore negli Stati Uniti.

La “Cattedrale” di Jackson Pollock, un’opera del 1947 smaltata e alluminio su tela, mostra lo stile distintivo della “tecnica di puntamento” dell’artista.(The Bullock-Krasner Foundation/Artists Society (ARS), New York)

I curatori suddividono la mostra in cinque sezioni tematiche che approfondiscono stili e idee senza tener conto dell’ordine cronologico.

Nella sezione intitolata “The Space Industry”, una selezione di opere d’arte di artisti neri degli anni ’60 e ’70 ha meritato il dovuto. zona di slittamento (1971), di Jack Witten, rappresenta perfettamente l’epoca nello stile e nel tono fornendo anche il titolo dello spettacolo. Una superficie dipinta con linee orizzontali che sfocano e interrompono il piano dell’immagine rivela i molteplici strati di colore che Whitten ha applicato alla tela prima di fissarla con strumenti di pittura funky, come racle e pettini afro.

Il titolo del dipinto si riferisce al movimento delle placche tettoniche e ai loro mutevoli percorsi sotterranei, qui accennato nell’uso della pittura. Si riferisce anche simbolicamente all’area di separazione spaziale che divideva due realtà, una in cui gli artisti maschi bianchi potevano esporre le loro opere, e l’altra dove gli artisti neri non potevano.

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L’arte d’avanguardia latinoamericana è al centro della scena in From Form to Geometry, dove splendidi esempi di arte brasiliana del cemento e del neo-cemento, di tre donne, avvicinano il passato alla sua visione.

Poiché il museo ha fatto affidamento su collezioni private locali per assemblare questo display, possiamo vedere questo gioiello che altrimenti non sarebbe disponibile al pubblico.

Costruzioni in legno astratte di Lygia Pape as Notte e giorno libro e soddisfazione, insieme a un’accurata grafica di Ligia Clark (sia degli anni ’50 che degli anni ’60), prendono posto accanto a un raro pezzo firma di Myra Schindel, senza indirizzo (Dalla serie “Droguinhas”, anni ’60).

Per questo pezzo fragile, Schindel ha usato carta di riso oleata che ha avvolto in nodi che assomigliavano a un miscuglio di corde aggrovigliate. Il titolo “Droguinhas” significa “cose ​​poco importanti” che sono destinate ad essere smaltite, o almeno l’art. Fortunatamente, i collezionisti diventano custodi dell’arte per le generazioni future.

Nella sezione intitolata Destroying the Paintbrush, la mostra vira in un territorio familiare quando si tratta di oggetti da collezione recenti e della storia della mostra al museo. Qui ci concentriamo sull’interazione tra la New York School of Painting, l’Arte Povera italiana e il Gutai giapponese.

Il movimento Gutai del dopoguerra è iniziato con l’arte performativa ed è stato scomposto nella creazione di oggetti reali attraverso azioni che hanno costretto gli artisti a interagire direttamente con i materiali.

in un "Senza titolo - vortice" (1965), l'artista Shozo Shimamoto ha posato una grande tela sul pavimento e ha versato la pittura direttamente sulla superficie.  Un pezzo straordinario, vibra quasi di intensità ipnotica e saturazione del colore.
In “Untitled – Whirlpool” (1965), l’artista Shozo Shimamoto ha posato una grande tela sul pavimento e ha versato la vernice direttamente sulla superficie. Un pezzo straordinario, vibra quasi di intensità ipnotica e saturazione del colore.(Associazione Shozo Shimamoto)

in un incidente di bottiglia (1962), Shozo Shimamoto lancia bottiglie di vetro piene di vernice e sassi su una tela ricoperta di terra, ottenendo questa sfrenata astrazione, in linea con le idee espresse nel suo saggio pittore ucciso.

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in un Senza titolo – vortice (1965), sopra una veduta in una volta cilindrica, l’artista ha posato sul pavimento una grande tela e ha versato la pittura direttamente sulla superficie. Un pezzo straordinario, vibra quasi di intensità ipnotica e saturazione del colore. Qui, una serie di anelli concentrici multicolori assomigliano a pulsazioni di lava fusa verso l’esterno verso i bordi, in netto contrasto con uno sfondo scuro su cui si accumula la vernice.

Lungo la parete di fondo abbiamo Jackson Pollock Cattedrale (1947) Enorme accompagnatore di Kazuo Shiraga Kan’ucho (1984), in cui ha applicato la pittura alla tela con i piedi mentre pendeva su di essa.

A destra c’è Alberto Puri saco (1954), poiché la comune tela usata per trasportare le provviste nell’Italia del dopoguerra divenne una tela che l’artista trasformò con il fuoco. Insieme, questi tre pezzi riassumono le idee provocatorie presentate nella mostra.

Nella cassaforte cilindrica situata direttamente dietro questa galleria, altri due sistemi artistici giapponesi interagiscono come teorie contraddittorie. Nobu Seken che rappresenta la scuola Mono Ha Il palcoscenico del nulla – l’acqua (1969/2005/2012) Consiste in una ciotola bassa quadrata e una lunga ciotola cilindrica, ognuna delle quali è piena d’acqua fino all’orlo.

Le sue superfici riflettenti e idilliache mirano a rivitalizzare lo spazio con nuove strutture percettive.

Queste idee contrastano con la determinazione a celebrare l’imperfezione, i processi del caso e il passare del tempo – idee che si allineano con la visione del mondo di Wabi-sabi. Questo movimento artistico è rappresentato dalle numerose sculture in ceramica cuboidale dell’artista messicano Bosco Sodi.

Tutto sommato, questo spettacolo rivela non poche sorprese.

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Quello che chiamiamo il canone della storia dell’arte del XX secolo ha sempre avuto spazio per pochi altri membri. Dopo aver guardato questa galleria attentamente curata, avrai un’idea migliore di chi si è effettivamente unito al club.

particolari

Slip Zone: un nuovo sguardo all’astrazione postbellica nelle Americhe e nell’Asia orientale fino al 10 luglio al Dallas Museum of Art, 1717 Harwood Street, Dallas. Mar – Gio, Sab e Dom 11-17 Ven 11-21 GRATIS. Chiama il 214-922-1200 o visita dma.org.