Novembre 28, 2021

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La rappresentazione di Rogier van der Weyden di San Luca che dipinge la Vergine nel Boston Museum of Fine Arts è più di una meditazione sull’arte della pittura.

Studio spesso le espressioni facciali di San Luca in questo capolavoro di Rogier van der Weyden al Boston Museum of Fine Arts. Si ritiene che van der Weyden si sia dipinto come San Luca. La sua faccia è concentrata e chiara (guarda l’impostazione della sua bocca). Che era malato.

Dato che San Luca è il patrono degli artisti, immagino che van der Weyden estenda questa pazienza a se stesso (ci vuole tempo per ottenere una buona somiglianza) come suoi sudditi. (Buona fortuna cercando di tenere fermo il bambino, continuando a nutrirsi.)

Ma c’è anche un accenno – dalla leggera inclinazione della testa (che fanno i bambini quando vedono un adorabile cucciolo, ma chiamato all’indietro) – di tenerezza. Tenerezza e dedizione. La sua posizione mi fa pensare al filosofo Simone WillHa detto: L’attenzione ai suoi livelli più alti è come la preghiera. Presuppone fede e amore».

Bene comunque. Che tavolozza! Il dipinto della Vergine di Luca esiste in più copie, ma gli studiosi ritengono che questa copia, datata generalmente 1435-1440, sia l’originale. In altre versioni, sembra che l’artista stesse lavorando su una composizione già fissata, mentre qui si evidenziano modifiche nel disegno inferiore. (Ci vuole tempo per farlo bene!)

Il soggetto del dipinto era caro agli artisti, a causa della leggenda secondo cui Luca Evangelista non fu solo l’autore di gran parte del Nuovo Testamento, ma anche il pittore delle prime immagini della Vergine Maria. Così Luca divenne il patrono delle corporazioni dei pittori. Per raggiungere lo status di maestri in queste corporazioni, gli artisti spesso dipingevano versioni di Luca raffiguranti la Vergine.

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Nella versione di Van der Weyden (la migliore di chiunque), Luke disegna con una penna, quindi non è associato al disegno con gli strumenti. Quello che fa è molto concentrato e molto diretto. Dietro le tre figure in primo piano c’è un giardino recintato. Due persone che si affacciano sul muro più lontano di una città su un fiume e su un paesaggio lontano.

Si possono riempire le pagine semplicemente nominando le cose in esse contenute, sia vicine che lontane. Particolarmente sorprendente è l’esposizione di broccato d’oro di van der Weyden sul panno di seta appeso dietro e sopra la Vergine. L’abilità dell’artista (il filo d’oro riflette più luce nelle parti del tessuto più vicine al sole) è semplicemente sorprendente, come era indubbiamente inteso.

Van der Weyden e Jan van Eyck, insieme a Robert Campin (noto anche come Maestro di Flemalle), hanno inaugurato una profonda trasformazione dell’industria dell’immagine nelle ex città di pianura (Paesi Bassi) dominate da Filippo il Buono di Borgogna. Hanno proceduto sperimentalmente, osservando direttamente come si comportano luce e colore nello spazio, piuttosto che la sintesi di osservazione e regole di prospettiva lineare sviluppate dai loro coetanei in Italia.

mentre artisti del calibro di machio In Italia dipingevano affreschi, van Eyck e van der Weyden perfezionarono la lucentezza della pittura ad olio. Hanno usato un vetro sottile e trasparente che filtra la luce riflessa dagli strati sottostanti, creando illusioni di consistenza e atmosfera straordinariamente vibranti. Ma non erano “realistici” nel senso moderno. Erano più ambiziosi di così.

Hanno magistralmente combinato il simbolismo cristiano in immagini spazialmente unificate e coerenti con la realtà. Qui, per esempio, Adamo ed Eva, il cui bambino Gesù nacque per essere salvato dal peccato originale, non appaiono in un pannello separato o in una parte distinta di questo quadro, ma, plausibilmente, come una scultura sul trono su cui il La Vergine siede. . Nel frattempo, la posizione di Maria sul trono del trono indica la sua umiltà, così come il giardino recintato simboleggia la sua purezza.

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La composizione di van der Weyden è molto simile alla canzone di van der Weyden”Madonna, Cancelliere Rollin“Al Louvre. Il ritratto di Van Eyck, dipinto probabilmente qualche anno fa, è ambientato in uno spazio architettonico simile con una veduta simile a un giardino recintato con alle spalle una città, un fiume e un paesaggio.

“Madonna del cancelliere Rollin” (1430-1434), di Jan van Eyck. (Leemage/Corbis/Getty Images)

Tutto in entrambe le immagini riguarda il collegamento del divino con il giorno. In “San Luca” di van der Weyden, amo il modo in cui i piedi e le dita dei piedi di Gesù Bambino si flettono mentre sorride, come in estasi di anticipazione. Notate anche la calma della Vergine mentre alzava il petto. Corrisponde all’osservazione del paziente Luke. Luca è il santo patrono dei guaritori e degli artisti, e Maria che allatta (spesso indicata come Maria Lactans) simboleggia anche la Chiesa Madre, che doveva prendersi cura degli affamati e dei malati, per tutti.

Quindi, mentre la pittura è una meditazione sull’arte della pittura (o della pittura, in questo caso), può anche aprirsi a qualcosa di più profondo, qualcosa sull’attenzione e sulla dedizione, sulla guarigione, sul dono. Will scrive: “L’attenzione è la forma di generosità più rara e famosa”.

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